Jess, un ragazzino di undici anni, vede la sua vita cambiare improvvisamente, quando fa amicizia con Leslie, una coetanea appena arrivata nella sua scuola. I due si inventano un mondo immaginario chiamato Terabithia, popolato da creature magiche, giganti e trolls. Mentre la vita in famiglia é ricca di contrasti, i due nel loro “mondo” sono il re é la regina…

Va subito chiarito che questo film non è un fantasy. Gli elementi fantastici, se così si possono definire, sono frutto dell’immaginazione profusa dai due protagonisti nei loro giochi all’aria aperta, quindi è vero che la loro fantasia prende forma con gli effetti speciali (sebbene ben fatti e discreti nell’uso), ma comunque siamo di fronte a una pellicola drammatica da inserire nel filone dei film di formazione adolescenziale.
Se a questo punto qualcuno storcerà il naso, in fondo la pellicola è prodotta da mamma Disney, devo aggiungere che invece siamo di fronte, seppure non a un capolavoro, comunque a un film dignitoso per sceneggiatura e cast.
I temi trattati sono i più classici: l’emarginazione, l’amicizia, l’incommensurabile capacità umana di inventare ed elevarsi oltre la propria condizione e infine la morte, che funesta la vita dei protagonisti in modo inatteso, ma tuttosommato edificante.
Davvero bravi i due attori protagonisti a ritrarre i propri personaggi, con un’alchimia palpabile e comprimari non famosi ma all’altezza (Robert Patrick, già T1000 di Terminator 2 e la bella Zooey Deschanel scesa dalla Cuore di D’oro di Guida galattica per autostoppisti).
Consigliato per chi da bambino immaginava di regnare su una terra incantata.

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Soffio (Soom)
Kim Ki-duk
Corea del sud, 2007

Come in “Ferro 3: la casa vuota” la trama è essenziale, poche le battute così come i personaggi: Lui, Lei, L’altro.
Lei: sempre infelice, sola, in una casa vuota e asettica, tradita dal marito che non la calcola minimamente nella sua vita.
Lui: il classico Barba Blu delle fiabe che subdolamente rende insignificante la compagna, tradendola sotto i suoi occhi e provandoci pure gusto a farlo.
L’altro: solo quanto Lei, non parla mai. Vuoi perché è muto (”Ferro 3″), vuoi perché le “circostanze” lo costringono ad essere privato momentaneamente della voce (come in questo caso).
E forse, proprio perché non parla, perché vive maliconicamente la sua vita, Lei ne viene attratta e finisce per innamorarsene.
Quasi.
Perché in “Soffio” Lei ama L’altro solo per due secondi fini: vuol far capire a Lui i suoi sbagli, l’insensatezza del suo tradimento facendogli provare quello che ha passato lei, e ama L’altro per far capire a quest’ultimo le atrocità commesse - si trova infatti nel braccio della morte per aver commesso un omicidio - per arrivare poi a privarlo della sua presenza, del suo affetto (suo di Lei) uccidendolo psicologicamente, strappandogli quel “soffio” vitale che, una volta che se ne sarà andata dalla sua vita, lui non avrà più e si sentirà come morto.

Questa è solo la mia interpretazione per un film che si presta a qualsiasi tipo di significato, volendo lo si può vedere attraverso un’ottica più “felice” e pensare che Lei in quel carcere dove incontra L’altro vuole solo ridargli un attimo di vita, lo stesso “soffio” vitale, prima dell’esecuzione.
Tuttavia la tristezza, la disperazione, l’alienazione che i tre personaggi si portano dietro - insieme a un quarto che è uno dei compagni di cella del detenuto - mi fa poco pensare a un film dedicato alla vita, e il disperato rapporto sessuale che lei e l’amante consumano in carcere fonde tristememte i due lati dell’esistenza sfociando brutalmente nella voglia di morire.  

30 giorni di buio (30 days of night)
David Slade
Usa, 2007

Tenendo conto della mia poca propensione per i film horror - c’ho 26 anni ma mi sogno ancora It e i suoi palloncini - quando vedo l’ennesimo lungometraggio di genere non posso che ammettere di stare ogni tanto rigida sulla poltrona e sobbalzare ad ogni colpo di scena.
Premessa doverosa per un film che mi ha sì spaventata ma che, visto con occhio critico, ha enormi mancanze a livello di sceneggiatura e recitazione.
Tratto dall’omonimo fumetto di Steve Neil e Ben Templesmith (che io non ho letto) il film procede per sequenze splatter e d’azione in una perfetta atmosfera dark.
Peccato che il tutto dopo i primi 40 minuti diventi abbastanza ripetitivo e che il regista non si preoccupi nemmeno di spiegare agli spettatori alcuni punti della trama che vengono praticamente lasciati in sospeso anche alla fine.
Si sente che la sceneggiatura è stata rimaneggiata. Malissimo.

Per capire come un fumetto possa essere egregiamente trasposto al cinema guardatevi “300″ di Zack Snyder.
Scusate la brevità del commento ma quando i film fanno schifo…

Angel - La vita, il romanzo (Angel)
François Ozon
Gran Bretagna, 2007

Tratto dall’orrido libro di Elizabeth Taylor, il film è pompatissimo e sdolcinatissimo forse più dell’opera originale.
Ottima recitazione, costumi favolosi, ma rimane comunque un melodramma alla Harmony dove il punto di vista di Angel, la protagonista, falsa la relatà (così come succedeva nel libro) fino a far sembrare tutto una messa in scena, una fantasticheria di adolescente romantica con tanto di sequenze esterne girate fintamente in interni dove a suggellare l’amore compaiono anche arcobaleni infantili sotto i queli lui e lei si baciano appassionatamente.
Realtà e finzione sono alla base della vita di Angel, ma quando è troppo è troppo!

Quattro minuti (Vier minuten)
Chris Kraus
Germania, 2006

Quattro minuti per realizzare i sogni delle due protagoniste, un’ora e mezza per spiegare a noi spettatori il loro passato, le loro ambizioni e le tragedie che le hanno segnate profondamente fino a farle diventare quello che sono al momento della narrazione.
Una ha poco più di vent’anni, è violenta, autolesionista, cinica, disincantata; rinchiusa in carcere per un omicidio che non ha commesso incontra per caso l’altra, entrata in carcere solo per insegnare musica alle detenute, che è ormai anziana e nasconde un passato non meno doloroso della prima.
Entrambe si sentono realizzate solo suonando il pianoforte sul quale sfogano le loro frustrazioni; col tempo impareranno a conoscersi e a liberarsi, tramite l’amicizia reciproca, dei loro spettri e dei loro segreti.

Trama semplicissima che riesce a includere però una varietà di temi: dall’omosessualità all’Olocausto, dalla vita nelle carceri alle difficoltà a trovare un proprio posto nel mondo fino alla musica come strumento di rinascita.
Davvero un bel film con un finale mozzafiato.

L’ultimo inquisitore (Goya’s ghosts)
Milos Forman
Spagna, 2006

Ispirandosi alle opere del pittore Francisco Goya (che appare anche come personaggio ma purtroppo solo abbozzato e di ruolo secondario), Milos Forman dirige un film sul ventennio che ha visto la Spagna passare dal periodo oscurantista della Santa Inquisizione a quello dell’Illuminismo, con l’arrivo poi delle truppe napoleoniche.
Tra ironia voluta (o involontaria?) e la drammaticità cruda delle torture carcerarie, il film comunque non decolla e passa da una sequenza all’altra trasformandosi nell’ultima parte in un filmone storico romanzato e troppo vicino a una telenovela per gli intrecci ridicoli che ne saltano fuori.
Che dire d’altro? Solo che, tutto sommato, è un film “ignorabile”.

Follia (Asylum)
David Mackenzie
Gran Bretagna, 2005

Tratto dall’omonimo romanzo di Patrick McGrath (che non ho letto… ooops!) il film, arrivato sugli schermi italiani con due anni di ritardo, ripercorre la discesa nella pazzia di una madre di famiglia, moglie di un medico psichiatra, nella rispettabile media borghesia inglese degli anni ‘50.
Innamoratasi di uno dei degenti dell’ospedale diretto dal consorte, la donna finirà per essere risucchiata nelle fobie e fissazioni dell’amante fino a un tragico epilogo.
Il tutto raccontato in 93 minuti improvvisati sicuramente su un testo originale complesso e troppo articolato da riassumere in poche scene cinematografiche; i personaggi risultano abbozzati, gli attori vagano davanti alla macchina da presa in uno stato catatonico e per nulla convincente, la recitazione è assolutamente svogliata, il nodo centrale di tutta la pellicola (la follia) viene solo analizzato tramite sequenze esplicative di azioni fini a sé stesse e quando c’è bisogno di un’analisi più “parlata” dei cambiamenti della protagonista e dell’uomo, questo non avviene - ci si aspetta che le patologie dell’amante della donna siano elencate con più dettagli, ma avvenendo il contrario non si riescono a capire nemmeno quelle della protagonista che lui condiziona costantemente con le sue fisime: perché lei si innamora di uno psicopatico? perché si lascia irretire da un uomo chiaramente malato? forse perché è insoddisfatta? o perché anche lei, costretta in una vita impeccabile, ha sempre nascosto la sua follia latente, fino a uno scoppio improvviso?
Non l’ho capito, e non viene spiegato. E sicuramente è perché il film è tratto da un’opera letteraria e non frutto di una sceneggiatura originale e pensata solo per il grande schermo.
In conclusione, la noia impazza.

Il matrimonio di Tuya (Tuya de hun shi)
Quanan Wang
Cina, 2006

Tuya vive con i figli e il marito semiparalitico nella landa desolata della Mongolia rurale.
Sola e senza aiuti famigliari, manda avanti gli impegni quotidiani sobbarcandosi anche il lavoro col bestiame, dato che il marito è impossibilitato a  farlo.
Forte e caparbia è lei a portare i pantaloni in casa, pur abitando in un paese come la Cina dove le donne ancora oggi sono alquanto denigrate dal sociale.
Accortasi però che non potrà andare avanti così ancora per molto, prende una dolorosa decisione che ribalterà completamente la sua vita e quella della famiglia: divorzierà dal marito, per potersi risposare con un uomo che le darà stabilità economica e un futuro più certo per i figli, a patto però che il marito resti con lei e il nuovo consorte.

Il matrimonio di Tuya riporta quindi la donna “al suo posto”: è costretta cioè a piegarsi a una società che al sesso femminile concede ben poco e che è regolata ancora oggi dall’uomo, senza il quale Tuya non è niente e non può fare niente.

Tra campi lunghi sulle aride e lunari pianure mongole, contrapposti a quelli ravvicinati e frenetici della città moderna, “civilizzata”, in cui Tuya si ritrova smarrita e con la famiglia disgregata; tra un continuo contrapporsi tra tradizione e progresso, si arriva ad un non-finale che sottolinea come, anche tentando di cambiare vita, non si riesca a trovare comunque un rimedio in un ambiente così controllato senza vie di fuga.

Un film lineare, che rasenta la monotonia, ma che è stato accolto al Festival di Berlino con un Orso d’Oro. E a ragione: non ci si aspetta una denuncia così schietta in un paese dove ancora oggi tutto è vigilato. 

Mio fratello è figlio unico
Daniele Luchetti
Italia, 2007

Tratto dal romanzo “Il fasciocomunista. Vita scriteriata di Accio Benassi” di Antonio Pennacchi, il film ripercorre quindici anni di una famiglia italiana, partendo dal 1961, quella dei coniugi Benassi: padre operaio, madre un po’ credulona e tre figli - due maschi e una femmina (Accio, Manrico e Violetta).
Saranno i figli ad essere al centro degli avvenimenti più importanti del periodo, con la lotta studentesca e quella operaia, i primi scioperi, le occupazioni, le manifestazioni pro e contro fascismo e comunismo.
Potrebbe così sembrare un film molto vicino a “La meglio gioventù”, dove è la storia ad entrare nelle vite dei protagonisti, ma è letteralmente il contrario.
In primo piano qui ci viene raccontata la vita di un gruppo di persone, nella quale la storia e la politica subentrano solo perché sono proprio i personaggi a deciderlo; sono loro, come Accio (Elio Germano), a muoversi da una parte all’altra della “barricata”, sia di destra o sinistra, che decidono di partecipare a una manifestazione oppure no.
Gli avvenimenti degli anni ’60-’70 ci vengono così raccontati esclusivamente attraverso lo sguardo dei personaggi; ne risulta quindi un film più vicino al genere di formazione, che a quello politico-sociale, dato che è Accio che ci racconta la sua vita e quella degli altri mettendo in primo piano soprattutto il suo punto di vista e la sua crescita.
E’ una storia semplice, delicata, sul rapporto tra genitori e figli, e tra fratelli. Non a caso il titolo richiama le difficoltà di rapportarsi tra fratelli e in particolare tra Manrico (Riccardo Scamarcio) e Accio, divisi fino nella fede politica e come lo possono essere un fratello minore che osserva il maggiore.
Con tono disincantato, a volte comico e un po’ “caciarone”, altre volte drammatico si arriva a un finale malinconico, commovente, su cui grava il colpo di scena della penultima sequenza.
E’ però un finale aperto, simile a quello de “I quattrocento colpi” di Truffaut, ma con la certezza che oltre il mare c’è una nuova fase della propria vita e non un solo unico ostacolo formato dalle onde che si ripetono.

Ottima interpretazione dell’intero cast, spicca il giovane Elio Germano preferibile per certi versi a Riccardo Scamarcio, che per l’occasione è rientrato nei panni dell’attore “per passione” abbandonando quelli dell’attore “per cache” di “Ho voglia di te” (mamma mia, non fatemelo ricordare…).
Particolare la colonna sonora in cui vi si trovano brani dell’epoca riarrangiati però appositamente; da ascoltare la nuova versione di “Ma che freddo fa” di Nada che chiude i titoli di coda al cui arrivo è scattato pure l’applauso, per la canzone, per il film, per tutto.
Questi sono film!!!